Les dernières vidéos d'ARTE Live Web

Introducing : Team Me au Bi Nuu de Berlin

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

Le hasard fait parfois bien les choses. D’abord, le projet solo initial de Marius Drogsas Hagen s’est métamorphosé en un super collectif, Team Me. Avec sa présence scénique originale et pleine de charme, avec son métissage euphorique d’indie-pop et de folk classique, ce sextette norvégien a séduit ses compatriotes en un rien de temps. Team Me vient de sortir son premier album, To The Treetops, et part maintenant à la conquête du reste de l’Europe.

Introducing : Einar Stray au Bi Nuu de Berlin

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

Du haut de ses 21 printemps, Einar Stray s’affirme déjà comme un chanteur-compositeur au talent hors pair. Sa musique a l’âme vagabonde, elle tournicote entre pop, post-rock et classique, prenant des accents tantôt puristes, tantôt symphoniques, mais toujours épiques. Einar Stray réussit à emballer tout ça en sept titres à peine. C’est en tous cas le nombre de chansons sur son premier album, Chiaroscuro, paru en janvier 2012.

Droits image : Hilde Mesics Kleven

Introducing : Sandra Kolstad au Bi Nuu de Berlin

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

La Norvégienne Sandra Kolstad vient couronner le spectacle musical d’Introducing. Son album Crux, elle l’a produit toute seule, comme une grande. Pour composer, elle est allée quelque part entre la Norvège et Berlin, entre le calme des forêts et la cohue des villes. C’est peut-être pour ça que son électro-pop a des sonorités aussi sombres, qu’il invite l’auditoire à danser parfois avec retenue, parfois de manière explosive.

Droits image : Jennifer Eberhardt

Stelios Petrakis, Efren Lopez, et Bijan Chemirani au Musée du Quai Branly

Musée du Quai Branly — Tue, 15 May 2012 17:00:00 +0200

Ce n’est pas le premier concert que nous filmons où il est question de partage autour de la musique méditerranéenne, et cette fois encore, l’affiche est transfrontalière et savoureuse : le crétois Stelios Petrakis, l'iranien Bijan Chemirani (que l’on a déjà filmé à de nombreuses reprises cette année avec sa fratrie), et l’espagnol Efren Lopez. Les trois amis proposent un voyage fait de croisements de leurs cultures et de leurs instruments traditionnels (vielle à roue, oud, guitare, zarb, bendir, daf, lyra…).

L’Orchestre baroque de Fribourg au festival de Schwetzingen

SWR — Sat, 12 May 2012 20:00:00 +0200

Mozart joué par le Freiburger Barockorchester (FBO) dans une salle rococo… Nous baignons en plein XVIIIe siècle ! Kristian Bezuidenhout, spécialiste du pianoforte et chef d’orchestre, associé à Petra Müllejans, violon et direction d’orchestre, sont les interprètes de deux concertos pour piano composés par Mozart dans les années 1780. On entendra également l’ouverture du Directeur de théâtre, un singspiel rarement donné, ainsi que des extraits de la musique de ballet d’Idoménée.

L’Orchestre baroque de Fribourg, qui depuis vingt ans pratique fièrement l’autogestion, et est considéré comme l’un des plus célèbres ensembles allemands de musique ancienne, expérimente volontiers. Selon les projets, il est dirigé depuis le pupitre du premier violon par l’un ou l’autre de ses directeurs artistiques, Gottfried von der Goltz et Petra Müllejans. Ce qui n’empêche pas la venue de chefs comme René Jacobs, Ivor Bolton, etc.
L’aventure a commencé par la musique baroque mais l’orchestre ne se refuse rien. Aujourd’hui, son répertoire s’étend aux XIXe et XXe siècles. En 2005, il a même créé cinq œuvres composées à son intention. Le FBO se produit une centaine de fois par an en orchestre de chambre ou d’opéra, il a ses propres séries de concerts à Fribourg-en-Brisgau, au Liederhalle de Stuttgart et à la Philharmonie de Berlin.

Originaire d’Afrique du Sud, Kristian Bezuidenhout est entré sur la scène internationale en remportant d’illustres concours qui lui ont ouvert bien des portes. Il a très tôt commencé à travailler avec des musiciens et des ensembles célèbres, aussi bien dans le domaine de la musique ancienne, de la musique de chambre ou de la musique symphonique. Invité comme soliste ou chambriste dans de nombreux festivals et sur les grandes scènes du monde, il enseigne aujourd’hui à la Schola Cantorum basiliensis et à l’Eastman School of Music aux Etats-Unis.
Kristian Bezuidenhout a enregistré notamment des concertos pour piano de Mendelssohn avec le FBO. Il a également accompagné Petra Müllejans et gravé avec elle des sonates pour violon de Mozart. Un « Diapason Découverte » a récompensé le premier CD de la série des sonates.

Avec :

L’Orchestre baroque de Fribourg

Kristian Bezuidenhout : piano, direction

Petra Müllejans : premier violon, direction

Au programme :

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) :
Le Directeur de théâtre, K. 486 : Ouverture
Concerto pour piano n° 17 en sol majeur, K. 453

Wolfgang Amadeus Mozart :
Idoménée, K. 366 : musique de ballet K. 367
Concerto pour piano n° 22 en mi bémol majeur, K. 482

Droits image : Freiburger Barockorchester

Anthony Joseph & The Spasm Band en concert chez Fip

Fip — Fri, 11 May 2012 21:30:00 +0200

Anthony Joseph s’adresse à vous, à son public, massé dans le studio de Radio France, à la musique, à ses cuivres qui résonnent, aux percus qui chevronnent. Il s’adresse à tout le monde. Sans jamais perdre haleine, vite et bien. Avec une verve digne des débuts de Gil Scott-Heron, une frénésie de ghetto africain et une casquette vissée comme un Shaft des scènes modernes, Joseph est un honnête ambassadeur du « spoken word ».

Actif, cet Anglais né en Trinidad et Tobago l’est sans aucune contestation : trois albums et recueils de poèmes. Et, preuve de son sens des mots, il dirige même un master en Ecriture créative à l’Université de Goldsmiths à Londres. Accompagné du Spasm Band, vous n’aurez pas le choix : un concert d’Anthony Joseph se danse autant qu’il s’écoute.

En première partie : Carlton Rara

Photo © Patricil

Carlton Rara en concert chez Fip

Fip — Fri, 11 May 2012 20:30:00 +0200

En créole comme en Anglais, le chanteur percussionniste franco-haïtien offre un voyage au cœur des caraïbes, de ses origines, de sa diversité : entre musique traditionnelle haïtienne, blues afro-américain, et reggae jamaïcain.

En deuxième partie de soirée : Anthony Joseph & The Spasm Band

Photo © Fatima Benjou

Izia à Stereolux / La Fabrique à Nantes

Arte — Fri, 11 May 2012 18:00:00 +0200

Evidemment, elle ne sortait pas de nulles part, Izia, lorsque du haut de ses 18 ans elle publiait un premier album rude et gras. Mais enfin, ce n’est quand même pas le fait d’appartenir à la grande famille Higelin qui l’a conduit à ouvrir pour Iggy Pop ou Mötorhead. Ce timbre de voix qui a si souvent été comparé à celui de Janis Joplin, cette furie scénique, Izia en a peut être hérité, mais ne l’a pas volé.

A peine deux ans plus tard, à peine âgée de 21 ans, Izia publie un second album plus en nuance, plus pop, plus mur. Toujours accompagné du guitariste Sébastien Hoog, elle prolonge avec So Much Trouble son répertoire vers des champs plus complexes.

Photo © Guillaume Laurent

Les 12 violoncellistes de l'Orchestre philharmonique de Berlin

Arte — Wed, 9 May 2012 20:00:00 +0200

Il y a exactement quarante ans, " Die 12 ", à l'époque tous musiciens de l'Orchestre philharmonique de Berlin, se réunirent pour la première fois pour transcender, pendant leur temps libre, les frontières musicales traditionnelles du violoncelle, grâce à de nouvelles compositions et combinaisons sonores. Cette réunion de douze violoncelles, inhabituelle, mais aussi leur art a éveillé l’intérêt de nombreux compositeurs du monde entier qui leur ont dédié leurs œuvres.Leur répertoire va des œuvres classiques aux improvisations de jazz en passant par les tubes hip-hop, sans oublier leurs propres compositions. Pour leur quarantième anniversaire, ils donnent un concert exceptionnel à la Philharmonie de Berlin. Au programme, de la musique contemporaine, mais aussi des pièces populaires dans des arrangements spécifiques – de Ravel à Morricone en passant par Duke Ellington, Piazzolla, et « As Time goes by ». Annette Dasch et un invité surprise non moins éminent viennent apporter leur soutien aux 12 musiciens.

Au programme :

Julius Klengel : Hymnus
Jean Françaix : Aubade
Astor Piazzolla : Angel Trilogy
Gabriel Fauré : Pavane, Op 50
Vincent Scotto: Sous les ponts de Paris
Michel Legrand : Une Femme est une femme
Hans Hupfeld : As Time goes by
Manuel de Falla : Psyché
Claude Debussy : Romance, Les Cloches
Maurice Ravel : Vocalise-Étude
Ennio Morricone : The Man with the Harmonica
J. Tiziol, D. Ellington : Caravan

Droits image : Stephan Roehl

Charles Bradley à La Cigale

La blogothèque — Wed, 9 May 2012 17:00:00 +0200

Coupe afro seventies, blouson de cuir à même la peau ou col pelle à tarte ouvert sur une chaîne en or qui brille : chez Charles Bradley, il n’y a pas que la musique qui vit dans le passé. Et c’est tant mieux. Comme Sharon Jones ou Naomi Shelton, cette autre grande voix de la soul a su attendre son heure. C’est le label new-yorkais Daptone Records, avec ses Reborn Soulmen, qui lui a permis de sortir son premier album en 2011. A 62 ans.

Sur la scène de la Cigale, accompagné de ses musiciens, ses « extraordinaires » en français dans le texte, sa voix éraillée trahit le nombre des années et de litres d’alcool avalés. Sa soul, elle, est intacte. Elle navigue entre la langueur du vieux prêcheur et l’allant d’un afro-beat soutenu de cuivres et de chœurs. Si son talent s’est développé dans l’ombre tutélaire de James Brown, dont il a longtemps joué les sosies, il apparaît aujourd’hui comme le fier filleul du Godfather of soul.

La jeune fille et la mort de Thomas Lebrun

Arte — Fri, 4 May 2012 20:30:00 +0200

Sept danseurs et un quatuor en direct. Avec sa Jeune Fille et la Mort, Thomas Lebrun entraine sa compagnie Illico dans un travail de recherche sur le romantisme, appuyé sur l’œuvre de Schubert.

La Jeune Fille et la Mort narre l’histoire de Coré, fille de Demeter (La Terre Mère, déesse des moissons et de l’agriculture), enlevée par Hadès, le dieu des Enfers. Au-delà de la dimension romantique, c’est tout une explication du monde et du cycle des saisons qui se niche dans le mythe grec. Donc une source d’inspiration intemporelle. Thomas Lebrun explique : « Tout en gardant le recul que l’histoire a trouvé face au lyrisme de l’époque, tout en trouvant la place dans ce que l’art chorégraphique actuel produit, j’aimerais fouiller le romantisme d’aujourd’hui avec une équipe artistique éclectique ».

Giora Feidman et le Gershwin Quartet au festival de Schwetzingen

SWR — Fri, 4 May 2012 20:00:00 +0200

Ranger la musique dans des cases, ici le sérieux classique, là la légèreté du divertissement… ce n’est pas trop le genre du Gershwin Quartet… Sans surprise, la formation réunie autour de Michel Gershwin favorise les compositeurs qui se sont démarqués par une approche très libre des genres. Mozart a en effet mis tous son enthousiasme à composer des contredanses destinées aux bals de carnaval. Et Schubert est l’auteur d’un grand nombre d’airs populaires ou « Ländler ». Le 20ème siècle n’est pas en reste dans le programme concocté par les « Gershwins ». Pour preuve, Astor Piazzolla, le représentant du Tango Nuevo, ou Heitor Villa-Lobos, dont les mélodies et rythmes empruntent beaucoup aux Indiens d’Amazonie.

La rencontre avec le clarinettiste new-yorkais Giora Feidman ne saurait être placée sous de meilleurs augures. Avec une déconcertante facilité, les langages musicaux alternent. « Longue vie à Giora, à sa clarinette et à sa musique ! Il crée des ponts entre les générations, les cultures et les classes sociales, et ce avec une parfaite maîtrise de son art ! ». L’éloge est signé en toute simplicité Leonard Bernstein.

Né en Argentine de parents juifs émigrés de Bessarabie, Giora Feidman grandit dans une famille de musiciens. L’artiste en est persuadé, le premier contact avec la musique est le plus souvent dû à la voix humaine, une voix dont le chant apaise, console, rend heureux. Et pour Giora Feidman, cette voix, c’était celle de sa mère, lui chantant en yiddish. En 1956, il quitte Buenos Aires et gagne la terre de ses ancêtres où il intègre le tout jeune Orchestre philharmonique d’Israël. Au début des années 1970, il s’installe ensuite à New York où débute sa carrière solo. Giora Feidman devient alors l’un des plus grands interprètes de musique klezmer.

Au programme :

Ángel Villoldo (1868 – 1919) :
Thèmes tirés de « El Choclo », transcription pour clarinette solo de Giora Feidman

Raul Jaurena (né en 1941) :
« A Trip to the Americas », medley d’airs du continent américain pour clarinette et quatuor à cordes

Scott Joplin (1867 – 1917) :
« The Entertainer », transcription pour quatuor à cordes de Franz Beyer

Harry T. Burleigh (1866 – 1949) :
« Nobody knows the trouble I’ve seen », transcription pour clarinette basse et quatuor à cordes de Steve Murray

Bobby Timmons (1935 – 1974) :
« Moanin » transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Peter Breiner

Héctor Panizza (1875 – 1967) :
« Aurora », air de l’opéra « Aurora », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Steve Murray

Violeta Parra (1917 – 1967) :
« Gracias a la Vida », Cancion, transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Steve Murray

Enrique Ugarte (né en 1957) :
« Fiddler on the roof », medley de la comédie musicale « Fiddler on the Roof » de Jerry Bock pour clarinette et quatuor à cordes

Peter Breiner (né en 1957) :
« By George…! A pastiche of Gershwin’s themes » (pour clarinette et quatuor à cordes)

John Williams (né en 1932) :
« La liste de Schindler », musique du film « La liste de Schindler », transcription pour quatuor à cordes de Calvin Custer

Alberto Ginastera (1916 – 1983) :
« Danza del la Moza Donoza », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 - 1991) :
« Kicho », transcription pour clarinette basse et quatuor à cordes de Steve Murray

Leonard Bernstein (1918 – 1990) :
« Maria », air tiré de « West Side Story », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 – 1992) :
« Libertango », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Raul Jaurena
« Los Pajaros Perdidos », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Raul Jaurena

Traditionnel
« Die Goldene Chassene », transcription pour clarinette et quatuor à cordes de Steve Murray


Droits image : Sascha Neroslavsky

Zoufris Maracas en concert privé sur le Mouv’

Le Mouv' — Thu, 3 May 2012 20:30:00 +0200

Le terme de Zoufris désigne les ouvriers algériens contraints de venir travailler en France dans la seconde moitié du XXe siècle pour envoyer de l’argent au pays, où ils avaient tout laissé : maison, famille… vie.

Vin’s et Micho, aka Zoufris Maracas, eux, ont fait l’inverse. Encore étudiant, ils quittent la France pour aller s’enrichir d’autre chose que d’argent. Du Niger au Mali, en passant par le Burkina Faso, ils font circuler une association de soutien au cinéma itinérant. Pour se distraire, sur une guitare à laquelle il manque des cordes, ils jouent du Brel et du Brassens.

Puis Vin’s revient en France, et Micho part vivre au Mexique. En 2007, ils se retrouvent, sans un sou, à Paris. Vin’s a composé une dizaine de chanson, alors c’est la manche qui débute. Sur les terrasses de Montmartre, dans le métro… Non estampillés « musiciens du métro », Vin’s écope de 5 000 € d’amende… payable sur 20 ans, étant donné son état d’extrême précarité.

Mais les rencontrent opèrent. Titi, figure de l’underground parisien les convie à un festival, ils rencontrent Julio, producteur indépendant, qui les présente au François Causse… Tout s’accélère : une première prestation sur scène à l’invitation de La Rue Ketanou, et un public qui adhère à cette chanson mi-réaliste, mi-irréaliste, irrévérencieuse, nourrie de zouk, de rumba congolaise, ou de jazz manouche.

Photo © Alex Bonnemaison

Patrick Watson au Cabaret Sauvage

La blogothèque — Thu, 3 May 2012 18:30:00 +0200

Ca fait quelque temps, déjà, que Patrick Watson (nom de l’homme, devenu nom du collectif qui l’entoure) a pris l’habitude de nous emmener sur les chemins où l’on tutoie la beauté du monde. Mais avec Adventure In Your Own Backyard, le dernier album paru, il nous fait carrément changer de dimension. Comment un seul monde pourrait contenir la richesse et la finesse de son folk toute à la fois spatial, éthéré, et domestique, à la fois complexe et évident ? Celui qui a décidé de devenir chanteur au sein du choeur d’une église et qui revendique les apports de Björk comme de Godspeed You ! Black Emperor nous envoie sur des hauteurs où rarement depuis les Beach Boys, la pop a su nous entrainer.

Le Mahler Chamber Orchestra sous la direction de Lawrence Renes

WDR 1 — Mon, 30 Apr 2012 20:00:00 +0200

En février 2010, lors de sa résidence dans le land de Rhénanie-Westphalie, le Mahler Chamber Orchestra avait prévu de donner à Cologne la « Sérénade » d’après le Banquet de Platon de Leonard Bernstein. Seiji Ozawa étant alors souffrant, le programme a dû être modifié au dernier moment.
Leonard Bernstein revient à l’affiche, et pas seulement pour rattraper une occasion manquée. Le contexte est tout autre, il vient illustrer la place exemplaire de l’œuvre dans la musique de la seconde moitié du XXe siècle. Le Mahler Chamber Orchestra accompagnera pour l’occasion la violoniste Patricia Kopatchinskaja.

Le choix du sujet ainsi que la structuration de la « Sérénade » illustrent bien l’émancipation à laquelle est parvenue la musique américaine. Entre références antiques et avant-garde, elle affirme son style et ses thèmes, sans se soumettre aux schémas classiques.

Même si des différences existent sur le point stylistique, Bernstein décline dans sa « Sérénade » des idées majeures de la jeune génération de compositeurs américains comme Steve Reich, John Adams ou Philip Glass. Ces représentants du minimalisme ont su affiner l’oscillation entre des formes répétitives et changeantes pour s’affranchir de la toute-puissance de la tradition.

Au programme :

Philip Glass

Company (1983) pour orchestre à cordes

Leonard Bernstein

Sérénade (d’après le « Banquet » de Platon) (1954) pour violon, cordes, harpe et percussions

Steve Reich

Drumming, Part 1, pour quatre paires de bongos (1970-1971)

John Adams

Shaker Loops (1983) version pour orchestre

Droits image : Sonja Werner

Acht Brücken Festival 2012 : Concert d'ouverture avec le percussionniste Martin Grubinger

WDR 1 — Sun, 29 Apr 2012 20:00:00 +0200

Qu’est-ce qui caractérise la musique des Etats-Unis ? Une question qui semble simple, mais que huit jours de festival ne suffiront guère à épuiser. Pourtant, certains fondamentaux transparaîtront dès le premier concert placé sous la baguette du jeune chef américain Jonathan Stockhammer. En effet, les compositeurs américains puisent leur inspiration dans un immense creuset culturel. Souvent, ils célèbrent les noces du divertissement décomplexé et du plus profond sérieux, de la complicité avec le public et de l’envie d’expérimenter. Des contrastes qui se manifestent dans une relecture du répertoire et des emprunts aux styles les plus variés.

Leopold Stokowski incarnait à merveille ces contrastes. L’Orchestre symphonique du WDR de Cologne joue son plus grand succès, sa délicieuse orchestration aux accents de romantisme tardif de la Toccata et fugue en ré mineur de Bach.

Charles Ives est une autre personnalité musicale pétrie de contradictions. Enraciné dans l’héritage populaire des marches et chants de son pays, il ne leur réserve pas moins un traitement en avance sur son temps.

Avner Dorman est à lui seul un résumé très parlant de la musique américaine : soumis aux influences culturelles les plus diverses, il les fait accéder à une universalité toute organique. Un style musical qui se nourrit de tous les genres pour les revisiter.

Au programme :

J.S. Bach/L. Stokowski

Toccata et fugue en ré mineur pour orgue BWV 565 (1952) transcription pour orchestre

John Cage

Souvenir (1953) pour orgue

Samuel Barber

Toccata Festiva (1960) pour orgue et orchestre

Charles Ives

Variations on « America » (1891) version pour orchestre

Avner Dorman

Frozen in Time (2007) pour percussions et orchestre

Leonard Bernstein

Divertimento pour orchestre (1980)

Droits photo : Matthias Muff

Herbie Hancock & friends à la Journée internationale du jazz au Siège de l'Unesco

Arte — Fri, 27 Apr 2012 20:00:00 +0200

Le jazz comme outil éducatif, le jazz comme force de paix, le jazz comme vecteur de dialogue, de compréhension, de coopération entre les peuples… Tels sont les arguments à l’origine de la désignation du 30 avril comme Journée internationale du Jazz par l’Unesco lors de la Conférence générale de novembre 2011.

Sur ARTE Live Web, nous partageons cette vision du jazz. Et nous diffusons régulièrement des concerts qui tiennent tout autant de la rencontre que de l’édification d’un langage universel où les spécificités de chacun sont respectées est mises à profit d’une entreprise globale constamment en mouvement, et respectueuse de l’autre.

Nous sommes donc particulièrement heureux et fiers de pouvoir participer à cet évènement en retransmettant ce concert qui réunit, autour d’Herbie Hancock, George Benson et Marcus Miller, la crème de la crème du jazz, et ne pouvons que souscrire aux mots d’Irina Bokova, Directrice générale de l’Unesco : « Tout au long de son histoire, le jazz a été un moteur de transformations sociales positives et l’est encore aujourd’hui. C’est pourquoi l’Unesco a créé la Journée internationale du jazz. Depuis ses origines enracinées dans l’esclavage, cette musique a fait entendre sa voix passionnée contre toutes les formes d’oppression. Elle est une langue de liberté qui parle au cœur de toutes les cultures. »

Retrouvez Herbie Hancock et encore plus de Jazz à L'unesco sur ARTE.Tv

East West Collective au Musée du Quai Branly

Musée du Quai Branly — Thu, 26 Apr 2012 20:00:00 +0200

Le violoncelliste voyageur Didier Petit travaille depuis plusieurs années avec la joueuse chinoise de guzheng Xu Feng-Xia (et le clarinettiste Sylvain Kassap) à redéfinir les approches et les pratiques de l’improvisation musicale à partir des traditions occidentales et orientales. Il y travaille même en étant l’un des très rares improvisateurs européens à faire le déplacement jusqu’en Chine, chaque année. Or le koto, version japonaise du guzheng, a fait l’objet d’une expertise équivalente, dans le même temps, de la part de Miya Masaoka souvent associée au saxophoniste américain Larry Ochs. Les uns et les autres se connaissant de réputation, et s’estimant, invitation leur a été lancée à se réunir sur scène pour confronter leurs découvertes. Et à faire de toutes leurs cordes et de tous leurs souffles.

Ce concert fait partie du cycle Bleu Indigo du Musée du Quai Branly, qui organise des rencontres entre le jazz et les musiques du monde. Il a été filmé le 21 avril.

Nora Gubish et l’Ensemble Intercontemporain à la Cité de la Musique

La Cité de la musique — Wed, 25 Apr 2012 20:00:00 +0200

De manière explicite ou de façon plus diffuse, le palimpseste est le fil rouge de cette soirée dirigée par Alain Altinoglu, et qui met à l’honneur la fascinante Nora Gubish.

On appelle "palimpseste" une superposition d’écriture sur un parchemin. Ce procédé, fréquent chez les copistes du moyen-âge en souffrance chronique de support vierge, conduisait à des effets visuels surprenant. Le papier, déjà utilisé, laissait souvent entrevoir la, ou les premières couches d’écriture en filigrane. L’idée de ces textes qui, d’une certaine manière parlent en même temps, dialoguent, se répondent, ou racontent des histoires complètement différentes dans une même temporalité et une même spatialité, est au cœur du sextuor de Marc-André Dalbavie : une partition écrite sur un madrigal du XVIe siècle de Gesualdo intitulé Beltà, poiche t’assenti.

Les Poèmes de Stéphane Mallarmé mis en musique par Maurice Ravel se réfèrent au Pierrot Lunaire de Schönberg (déjà une mise en musique de 21 poèmes d’Albert Giraud), tel qu’Igor Stravinsky lui a décrit. Stravinsky, justement, est présent dans cette soirée, avec ses Huits Miniatures Instrumentales, des orchestrations des Cinqs Doigts, un cycle de pièces pédagogiques russe pour piano.

A lire : la présentation du programme par Gilles Macassar sur Telerama

Programme :

Igor Stravinski - Huit Miniatures instrumentales, Concertino, pour 12 instruments

Maurice Ravel - Trois Poèmes de Stéphane Mallarmé

Marc-André Dalbavie - Palimpseste

Luciano Berio - Folk Songs

Mix Box Live : Lindigo

Mondomix — Mon, 23 Apr 2012 20:45:00 +0200

Tout a commencé dans une voiture. En 2009, pendant le festival Sakifo, à Saint Pierre de la Réunion, Olivier Araste, le leader de Lindigo, fait monter Fixi, multi-instrumentiste et accordéoniste de Java, pour une petite balade. Dans le poste, l’afrobeat, dont le Réunionnais est fan, les réunit : Fixi a travaillé avec Tony Allen, le parrain nigérian de ce groove révolutionnaire. Tous deux jouent également de l’accordéon et improvisent quelques heures plus tard, sur la petite scène de France ô, quelques morceaux maloya-musette devant un public du Sakifo médusé. Deux ans plus tard, les voilà réunis sur un disque, Maloya Power, composé par Olivier Araste et réalisé par Fixi. Un disque qui ose donner au maloya des accents ouest-africains, afrobeat, samba ou dub.