Die neuesten Videos von ARTE Live Web

Introducing: Team Me im Berliner Bi Nuu

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

Dem Zufall sei Dank, dass aus dem ursprünglichen Soloprojekt von Marius Drogsas Hagen über Nacht das Superkollektiv Team Me wurde. Denn das norwegische Sextett verzauberte mit seiner eigenartig liebenswerten Bühnenpräsenz und der euphorischen Mischung aus Indie-Pop und klassischem Folk in Windeseile ganz Norwegen. Mit ihrem Debütalbum „To The Treetops“ wollen sie nun auch Europa im Sturm erobern.

Introducing: Einar Stray im Berliner Bi Nuu

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

Einar Stray ist gerade einmal 21 Jahre jung, Singer-Songwriter und Ausnahmetalent. Seine Musik geht zwischen Pop, Post-Rock und Klassik spazieren und klingt dabei mal puristisch, mal symphonisch, aber immer: episch. Und das alles in nur sieben Songs. So viele erschienen nämlich im Januar 2012 auf seinem Debüt „Chiaroscuro“.

Bildrechte: Hilde Mesics Kleven

Introducing: Sandra Kolstad im Berliner Bi Nuu

Introducing — Thu, 17 May 2012 17:00:00 +0200

Die Norwegerin Sandra Kolstad rundet das musikalische Spektakel ab. Ihr Album „Crux“ produzierte sie im Alleingang irgendwo zwischen Norwegen und Berlin, zwischen Waldgrün und Straßenlärm. Vielleicht klingt ihr Elektropop deshalb genauso düster, wie er zum Tanzen anregt, mal behutsam, mal explosiv.

Bildrechte: Jennifer Eberhardt

Stelios Petrakis, Efren Lopez, und Bijan Chemirani im Musée du Quai Branly

Musée du Quai Branly — Tue, 15 May 2012 17:00:00 +0200

Das Freiburger Barockorchester bei den Schwetzinger Festspielen

SWR — Sat, 12 May 2012 20:00:00 +0200

Ein reines Mozart-Programm mit dem Freiburger Barockorchester, noch dazu in einem historischen Rokoko-Theater! Da fühlt man sich gleich zurückversetzt ins 18. Jahrhundert. Mit Hammerklavier-Spezialist Kristian Bezuidenhout und unter seiner gemeinsamen Leitung mit Petra Müllejans bringen die Musiker zwei Klavierkonzerte Mozarts aus den 1780er Jahren zu Gehör. Außerdem erklingen die selten zu hörende Ouvertüre zu seinem "Schauspieldirektor" sowie Ausschnitte aus der Ballettmusik zum "Idomeneo".

Klangexperimente gehören zum Alltag des Freiburger Barockorchesters, das sich seit über 20 Jahren selbstbewusst selbstverwaltet und sich als eines der renommiertesten deutschen Alte-Musik-Ensembles profiliert hat. Je nach Projekt wird es entweder vom ersten Pult aus von den künstlerischen Leitern Gottfried von der Goltz und Petra Müllejans geführt oder immer wieder auch von Dirigenten wie Rene Jacobs, Ivor Bolton u.a.
Auch wenn es einst mit der Barockmusik begann, so hat sich heute sein Repertoire bis tief hinein ins 19. und 20. Jahrhundert erweitert. 2005 spielte das Orchester sogar die Uraufführungen von fünf ihm gewidmeten zeitgenössischen Werken. Das FBO, das rund 100 Auftritte pro Jahr in unterschiedlichen Besetzungen vom Kammer- bis
zum Opernorchester bestreitet, gestaltet eigene Konzertreihen in Freiburg, in der Stuttgarter Liederhalle und in der Berliner Philharmonie.

Der aus Südafrika stammende Pianist Kristian Bezuidenhout machte schon früh durch den Gewinn erster Preise bei bekannten Wettbewerben von sich reden und knüpfte so Kontakte zu renommierten Künstlern und führenden Ensembles, sowohl im Bereich der Alten Musik als auch in der Kammermusik und Sinfonik. Er trat bei zahlreichen Festivals und in den internationalen Konzertsälen als Solist und Kammermusiker auf und ist heute Gastdozent an der Schola Cantorum in Basel und an der amerikanischen Eastman School of Music.
Bezuidenhout spielte u.a. Mendelssohns Klavierkonzerte mit dem FBO und Mozarts Violinsonaten mit Petra Müllejans ein. Gleich die erste CD der Sonatenreihe erhielt den begehrten Schallplattenpreis „Diapason Decouverte“.

Mitwirkende:

Freiburger Barockorchester

Kristian Bezuidenhout: Klavier und Leitung

Petra Müllejans: Konzertmeisterin

Im Programm:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791):
Ouvertüre aus der Komödie mit Musik „Der Schauspieldirektor“ KV 486
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 17 G-Dur KV 453

Wolfgang Amadeus Mozart:
Ballettmusik KV 367 aus dem Dramma per musica „Idomeneo“ KV 366
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 22 Es-Dur KV 482

Bildrechte: Freiburger Barockorchester

Anthony Joseph Im Maison de la Radio

Fip — Fri, 11 May 2012 21:30:00 +0200

Carlton Rara Im Maison de la Radio

Fip — Fri, 11 May 2012 20:30:00 +0200

Izia im Stereolux / La Fabrique

Arte — Fri, 11 May 2012 18:00:00 +0200

Izïa Higelin (Künstlername Izia) wurde von ihrem Vater, dem Sänger Jacques Higelin, früh an die Musik herangeführt. Doch ihre Blitzkarriere verdankt die Rockerin nicht nur den guten Startbedingungen, sondern vor allem ihrem oft mit Janis Joplin verglichenen Stimmtimbre. Nicht zufällig wählte Iggy Pop die knapp Sechzehnjähre bereits als Opening Act aus, später auch Motörhead. Mit achtzehn brachte sie ihr Debütalbum, „Izia“, heraus. Die Texte der Songs sind direkt bis provokant, wie auch die Künstlerin selbst bei ihren Auftritten vor groben Worten nicht zurückschreckt. Auch wenn sie das Vorbild des Vaters nicht leugnet, sind ihre Bühnenauftritte doch von großer Eigenständigkeit geprägt.

Mit knapp 21 Jahren veröffentlichte Izia ihr zweites Album, „So Much Trouble“, wieder mit dem Gitarristen Sébastien Hoog. Ihre Musik ist zweifelsohne nuancenreicher, komplexer, poppiger und reifer geworden.

Foto © Guillaume Laurent

Jubiläumskonzert: Die 12 Cellisten der Berliner Philharmoniker

Arte — Wed, 9 May 2012 20:00:00 +0200

1972 wurden die „12 Cellisten der Berliner Philharmoniker“ von Musikern des Orchesters gegründet. Auch heute noch, nach 40 Jahren, gelten sie als einzigartiges Ensemble. Nicht nur die außergewöhnliche Besetzung (12 Cellos), sondern auch die Spielkultur der 12 Cellisten lassen viele zeitgenössische Komponisten weltweit für sie komponieren.

Zu ihrem 40.Geburtstag zeigen sich die 12 Cellisten in Feierlaune und geben ein außergewöhnliches Konzert in der Berliner Philharmonie. Neben zeitgenössischer Klassik beinhaltet das Programm viele populäre Stücke, die für die 12 Cellisten arrangiert wurden - von Ravel über Duke Ellington zu Piazzolla und Morricone und dem Evergreen „As Time goes by“. Unterstützt werden die 12 Cellisten von der Sängerin Annette Dasch - und einem nicht minder prominenten Überraschungsgast.

Auf dem Programm stehen:

Julius Klengel: Hymnus
Jean Françaix: Aubade
Astor Piazzolla: Angel Trilogy
Gabriel Fauré: Pavane, Op 50
Vincent Scotto: Sous les ponts de Paris
Michel Legrand: Une Femme est une femme
Hans Hupfeld: As Time goes by
Manuel de Falla: Psyché
Claude Debussy: Romance, Les Cloches
Maurice Ravel: Vocalise-Étude
Ennio Morricone: The Man with the Harmonica
J. Tiziol, D. Ellington: Caravan

Bildrechte: Stephan Roehl

Charles Bradley im Pariser Theater La Cigale

La blogothèque — Wed, 9 May 2012 17:00:00 +0200

Afrolook der 70er-Jahre, enge Lederjacke oder offener Spitzkragen und Goldkettchen im Ausschnitt - bei Charles Bradley ist nicht nur die Musik nostalgisch, und das ist gut so. Wie Sharon Jones oder auch Naomi Shelton hat diese Soulstimme lange auf ihre Chance warten müssen. Die kam2011, als das auf Retro-Soul spezialisierte New Yorker Label Daptone Records den 62-Jährigen entdeckte und seine erste Single veröffentlichte.

In Begleitung seiner Musiker bietet Bradley trotz seiner brüchigen Stimme, die ebenso von seinem Alter wie von langjährigem Alkoholkonsum zeugt, taufrischen Soul und zieht dabei alle Register von sehnsüchtig-wehmütig bis hin zu Afro-Beat mit Blechblasinstrumenten und Chor. Bradley, der jahrelang im Schatten von James Brown stand und oft dessen Doppelgänger spielte, gilt heute selbst als einer der Großen des Soul.

Das junge Mädchen und der Tod von Thomas Lebrun

Arte — Fri, 4 May 2012 20:30:00 +0200

Sieben Tänzer und ein Quartett live. Mit seiner Version von Schuberts „Der Tod und das Mädchen“ erkunden Thomas Lebrun und seine Company Illico die Welt der Romantik.

„Der Tod und das Mädchen“ handelt von Kore, Tochter von Demeter (Mutter Erde, Göttin der Ernte und der Landwirtschaft), die von Hades, dem Gott der Unterwelt, entführt wird. Über die romantische Dimension hinaus birgt der griechische Mythos eine eigene Erklärung der Welt und des Laufs der Jahreszeiten und stellt daher eine zeitlose Inspirationsquelle dar. Thomas Lebrun: „Bei aller Distanz gegenüber dem damaligen Lyrismus und bei aller Einbettung in das aktuelle choreografische Schaffen geht es bei dem Stück mit seinen vielseitigen und unterschiedlichen Künstlern nicht zuletzt darum, auch ein Stück in die heutige romantische Vorstellungswelt vorzudringen.“

Giora Feidman und das Gershwin Quartet bei den Schwetzinger Festspielen

SWR — Fri, 4 May 2012 20:00:00 +0200

Musikalisches Schubladendenken, hier E-, dort U-Musik, ist dem Gershwin Quartet unter Leitung von Michel Gershwin fremd. Und es spricht Bände, dass die „Gershwins“ unter den klassischen Komponisten solche favorisieren, die ebenso dachten: Immerhin schrieb Mozart mit Begeisterung Kontretanze für Faschingsbälle, während Schubert ganze Serien von Ländlern komponierte. Gleiches lässt sich auch von den Komponisten des 20. Jahrhunderts sagen, deren Quartette die „Gershwins“ im Gepäck haben: von Astor Piazzolla, dem Vertreter des Tango Nuevo, oder von Heitor Villa-Lobos, der so manche seiner Melodien und Rhythmen den Amazonas-Indianern abgelauscht haben will.

So fügt sich die Zusammenarbeit mit Giora Feidman perfekt ins Bild, gelingt es doch auch ihm mit immer wieder erstaunlicher Mühelosigkeit, die musikalischen Sprachen zu wechseln. „Lang lebe Giora, seine Klarinette und seine Musik! Er schlägt Brücken zwischen Generationen, Kulturen und Schichten, und er tut es mit vollendeter Kunst!“, schwärmte kein Geringerer als Leonard Bernstein von dem in New York lebenden Musiker.

Als Sohn jüdischer Einwanderer aus Bessarabien in Argentinien geboren, wächst Feidmann in einer Musikerfamilie auf. „Fast immer“, meint er, „vollzieht sich unsere erste Berührung mit Musik durch eine menschliche Stimme, deren Singen uns beruhigt, uns tröstet, uns fröhlich macht. Für mich waren das die jiddischen Lieder, die meine Mutter für mich sang ...“ Bliebe noch zu ergänzen, dass er 1956 von Buenos Aires ins Land seiner Väter übersiedelte, um Mitglied des jungen Israel Philharmonic Orchestra zu werden; und dass er zu Beginn der 1970er Jahre nach New York kam. Von hier aus startete er seine Weltkarriere als Solist, als einer der bedeutendsten Interpreten von Klezmer-Musik.

Im Programm:

Ángel Villoldo (1868 – 1919):
Motive aus „El Choclo“, bearbeitet für Soloklarinette von Giora Feidman

Raul Jaurena (geb. 1941):
„A Trip to the Americas“, Medley aus südmittel- und nordamerikanischen Songs für Klarinette und Streichquartett

Scott Joplin (1867 – 1917):
„The Entertainer“, bearbeitet für Streichquartett von Franz Beyer

Harry T. Burleigh (1866 – 1949):
“Nobody knows the trouble I’ve seen”, bearbeitet für Bass Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Bobby Timmons (1935 – 1974):
„Moanin‘“ bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Peter Breiner

Héctor Panizza (1875 – 1967):
„Aurora“, Arie aus der Oper „Aurora“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Violeta Parra (1917 – 1967):
„Gracias a la Vida“, Cancion, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Enrique Ugarte (geb. 1957):
“Fiddler on the roof”, Medley aus dem Musical “Fiddler on the Roof” von Jerry Bock für Klarinette und Streichquartett

Peter Breiner (geb. 1957):
„By George…! A pastiche of Gershwin’s themes“ (für Klarinette und Streichquartett)

John Williams (geb. 1932):
„Schindlers Liste”, Musik aus dem Film „Schindlers Liste“, bearbeitet für Streichquartett von Calvin Custer

Alberto Ginastera (1916 – 1983):
„Danza del la Moza Donoza“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 - 1991):
„Kicho”, bearbeitet für Bass Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Leonard Bernstein (1918 – 1990):
„Maria”, Song aus dem Musical „West Side Story”, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 – 1992):
„Libertango“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Raul Jaurena
„Los Pajaros Perdidos”, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Raul Jaurena

Traditional
„Die Goldene Chassene“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Bildrechte: Sascha Neroslavsky

Zoufris Maracas im Maison de Radio France

Le Mouv' — Thu, 3 May 2012 20:30:00 +0200

Als „Zoufris“ werden algerische Arbeiter bezeichnet, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts aus wirtschaftlicher Not in Frankreich arbeiteten und das verdiente Geld zur Unterstützung ihrer Familien in die Heimat schickten.

Vin’s und Micho alias Zoufris Maracas wählten den umgekehrten Weg. Noch als Studenten verließen sie Frankreich und gingen nach Afrika, wo sie mit ihrer Vereinigung zur Unterstützung des Wanderkinos durch Niger, Burkina Faso und Mali zogen. Zum Zeitvertreib spielten sie auf einer Gitarre, der ein paar Saiten fehlten, Chansons von Brel und Brassens.

Dann kehrte Vin’s nach Frankreich zurück, und Micho ging nach Mexiko. 2007 begegneten sie sich völlig verarmt in Paris wieder. Vin’s komponierte ein Dutzend Chansons, dann begannen die beiden auf den Terrassen von Montmartre und in der Metro zu betteln. Da er nicht als „Metro-Musiker“ geführt wurde, bekam Vin’s eine Geldstrafe von 5 000 Euro aufgebrummt – wegen seiner Mittellosigkeit innerhalb von zwanzig Jahren zahlbar.

Doch das Bettlerleben brachte den beiden auch wichtige Begegnungen. So lud Titi, eine bekannte Persönlichkeit des Pariser Underground, sie zu einem Festival ein, auf dem sie den unabhängigen Produzenten Julio trafen, der sie wiederum François Causse vorstellte … Von da an ging alles ganz schnell: Schon nach dem ersten Bühnenauftritt auf Einladung der Band La Rue Ketanou begeisterte sich das Publikum für diese teils realistischen, teils schrägen und respektlosen Chansons, in denen Zook, kongolesische Rumba und Gypsy-Jazz durchklingen.

Foto © Alex Bonnemaison

Patrick Watson im Cabaret Sauvage

La blogothèque — Thu, 3 May 2012 18:30:00 +0200

Schon seit einiger Zeit macht Patrick Watson (Name des Sängers/Songwriters und der Band, deren Frontmann er ist) die Schönheit der Welt zum Thema, doch in seinem jüngsten Album „Adventure In Your Own Backyard“ schlägt er mit seinem sphärischen, ätherischen und Alltagsgeräusche verarbeitenden Folk neue Töne an. Der kanadische Künstler hatte in einem Kirchenchor beschlossen, Sänger zu werden. Er beruft sich auf Björk und auf die kanadische Rockband Godspeed You! Black Emperor. Mit seiner sehr vielgestaltigen Kunst erreicht er ein Niveau, das seit den Beach Boys in der Pop-Musik dünn gesät ist.

Das Mahler Chamber Orchestra unter der Leitung von Lawrence Renes

WDR 1 — Mon, 30 Apr 2012 20:00:00 +0200

Schon im Februar 2010, während seiner Zeit als Residenzorchester NRW hat das Mahler Chamber Orchestra in Köln Leonard Bernsteins Serenade nach Platons „Symposion“ aufführen wollen. Wegen einer Erkrankung des Dirigenten Seiji Ozawa musste der Spielplan damals kurzfristig geändert werden. Wenn Bernstein nun wieder ins Programm rückt, dann nicht (nur), um das Versäumte nachzuholen. Der Kontext ist ein völlig anderer und betont die exemplarische Bedeutung des Stücks für die Musikgeschichte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Unterstützt wird das Mahler Chamber Orchestra bei seiner Interpretation von der preisgekrönten Violinistin Patricia Kopatchinskaja.

Sowohl in der Wahl des Sujets als auch in der kompositorischen Gestaltung gibt Bernstein ein signifikantes Beispiel für eine zu Eigenständigkeit gelangte US-amerikanische Musikkultur, die zwischen europäischer Antike und Avantgarde selbstbewusst ihren Stil und ihre Themen findet, ohne sich klassischen Schemata zu unterwerfen.

Obwohl stilistische Unterschiede bestanden, traf sich Bernstein hier mit zentralen Ideen einer jüngeren, amerikanischen Komponistengeneration um Steve Reich, John Adams und Philip Glass. Die Protagonisten der Minimal Music verfeinerten das Wechselspiel von Wiederholung und Veränderung, um der Vormachtsstellung traditioneller Formbezüge zu entkommen.

Im Programm:

Philip Glass
Company (1983) für Streichorchester

Leonard Bernstein
Serenade (nach Platons "Symposion") (1954) für Solovioline, Streichorchester, Harfe und Schlagzeug

Steve Reich
Drumming, Part 1 für vier Paar gestimmte Bongos (1970-1971)

John Adams
Shaker Loops (1983) Fassung für Orchester

Bildrechte: Sonja Werner

Acht Brücken Festival 2012: Eröffnungskonzert mit dem Schlagzeuger Martin Grubinger

WDR 1 — Sun, 29 Apr 2012 20:00:00 +0200

Was ist eigentlich das Besondere an US-amerikanischer Musik? Auf diese scheinbar einfache Frage gibt es so viele Antworten ... Einige Konstanten stellt aber schon das Eröffnungskonzert des Acht Brücken Festivals mit dem jungen amerikanischen Dirigenten Jonathan Stockhammer in den Blickpunkt: Amerikanische Komponisten können aus einem riesigen kulturellen Schmelztiegel schöpfen. Und sie verbinden oft völlig unbefangen Unterhaltung mit Ernst, Publikumsnähe mit Experimentierlust. Der Eingriff in klassische Partituren und die Integration verschiedenster musikalischer Stilrichtungen prägen diese Gegensätzlichkeiten.

Leopold Stokowski war einer der Künstler, der diese Kontraste geradezu verkörperte. Das WDR Sinfonieorchester Köln spielt seinen größten Erfolg: die spätromantisch-schwelgerische Bearbeitung von Bachs Orgel-Toccata und –Fuge d-Moll.

Ebenfalls als widersprüchliche Musikerpersönlichkeit gilt Charles Ives: einerseits höchst bodenständig, in amerikanischen Märschen und volkstümlichen Liedern wurzelnd. An-dererseits in der Verarbeitung dieses Materials seiner Zeit weit voraus.

Eine passende Beschreibung amerikanischer Musik liefert Avner Dorman – selbst unterschiedlichster kultureller Einflüsse ausgesetzt - und ordnet dieser eine naturge-gebene Universalität zu. Ein Musikstil, der alles in sich aufnimmt und weiterverarbeitet.

Im Programm:

J.S. Bach/L. Stokowski
Toccata und Fuge d-Moll für Orgel BWV 565
Bearbeitung für Orchester (1952)

John Cage
Souvenir (1953) für Orgel

Samuel Barber
Toccata Festiva (1960) für Orgel und Orchester

Charles Ives
Variations on „America“ (1891) Fassung für Orchester

Avner Dorman
Frozen in Time (2007) für Percussion und Orchester

Leonard Bernstein
Divertimento für Orchester (1980)

Bildrechte: Matthias Muff

Internationaler Jazztag im Pariser Sitz der UNESCO

Arte — Fri, 27 Apr 2012 20:00:00 +0200

Jazz als Vermittler von Werten, als Friedenskraft und Instrument der Völkerverständigung. Weil er gerade all dies leistet, wurde auf der UNESCO-Generalversammlung von November 2011 beschlossen, den 30. April 2012 zum Welttag des Jazz zu erklären.

Auch ARTE Live Web fühlt sich der für den Jazz charakteristischen Begegnung von Künstlern verschiedenster Herkunft sowie seiner universellen Sprache verpflichtet, die zum Symbol für Vielfalt und gegenseitigen Respekt geworden ist.

Mit Freude und Stolz überträgt ARTE Live Web zum 30. April ein Konzert mit dem Jazz-Pianisten und UNESCO-Sonderbotschafter Herbie Hancock, der Jazzgrößen wie George Benson und Marcus Miller um sich versammelt hat. Sie alle bestätigen die Worte von UNESCO-Generaldirektorin Irina Bokowa: „Im Laufe seiner Geschichte war der Jazz eine Triebkraft positiver sozialer Veränderungen ist es noch heute. Daher hat die UNESCO den Welttag des Jazz eingeführt. Seit ihrem Entstehen unter den Bedingungen der Sklaverei hat diese Musik ihre leidenschaftliche Stimme gegen alle Formen von Unterdrückung erhoben. Sie ist eine Sprache der Freiheit, die bis heute Menschen über alle kulturellen Grenzen hinweg verbindet.“

East West Collective im Musée du Quai Branly

Musée du Quai Branly — Thu, 26 Apr 2012 20:00:00 +0200

Seit mehreren Jahren erschließt der französische Cellist Didier Petit mit der chinesischen Guzheng-Spielerin Xu Feng-Xia (und dem Klarinettisten Sylvain Kassap) neue musikalische Improvisationsansätze und -gepflogenheiten und bezieht dabei die jeweiligen Traditionen von West und Ost ein. Dazu reist er sogar als einer der wenigen europäischen Improvisationskünstler jedes Jahr nach China. Ein ähnliches Projekt verfolgt die US-amerikanische Musikerin und Komponistin Miya Masaoka, oft zusammen mit ihrem Landsmann, dem Saxofonisten Larry Ochs, auf der japanischen Version des Guzheng, dem Koto. Beide Parteien treten nun zum ersten Mal gemeinsam auf der Bühne auf.

Das am 21. April aufgezeichnete Konzert ist Teil des „Bleu Indigo“-Zyklus des Pariser Musée du Quai Branly, das Begegnungen zwischen Jazz und World Music fördert.

Nora Gubish und das Ensemble Intercontemporain in der Pariser Cité de la Musique

La Cité de la musique — Wed, 25 Apr 2012 20:00:00 +0200

Palimpseste ziehen sich wie ein roter Faden durch dieses von Alain Altinoglu dirigierte Konzert, dem die großartige Nora Gubish zusätzlichen Glanz verleiht.

Als Palimpsest werden übereinanderliegende Schriftlagen auf Pergament bezeichnet. Im Mittelalter, als frisches Pergament rar war, war das Wiederverwerten bereits beschriebener Blätter, von denen die Tinte abgekratzt wurde war, weit verbreitet und führte zu beeindruckenden Effekten. Oft waren noch Reste filigraner früherer Beschriftung zu sehen. Dieser Gedanke an verschiedene Texte, die gewissermaßen gleichzeitig sprechen, in Dialog treten, sich Antworten geben oder vollkommen unterschiedliche Geschichten erzählen, und zwar in derselben Zeit und demselben Raum, steht im Zentrum von Marc-André Dalvavies Sextuor: Die Partitur wurde über die eines Madrigals aus dem 16. Jahrhundert geschrieben, auf Gesualdos „Beltà, poiche t’assenti“.

Die von Maurice Ravel vertonten Poèmes de Stéphane Mallarmé nehmen Bezug auf Schönbergs Pierrot Lunaire (seinerseits Vertonung von 21 Gedichten Albert Girauds), so wie Igor Strawinski sie ihm beschrieben hatte. Strawinski selbst ist in diesem Konzert mit seinen Acht Miniaturen vertreten, einer Orchestrierung der Fünf Finger, eines russischen Zyklus für Klavierübungen.

Programm:

Igor Stravinski – Acht Miniaturen, Concertino für 12 Instrumente

Maurice Ravel - Trois Poèmes de Stéphane Mallarmé

Marc-André Dalbavie - Palimpseste

Luciano Berio - Folk Songs

Lindigo beim Mix Box Live

Mondomix — Mon, 23 Apr 2012 20:45:00 +0200

Die Geschichte begann in einem Auto: 2009 lud Olivier Araste, der Chef von Lindigo, beim Festival Sakifo in Saint Pierre de la Réunion Fixi, den Multiinstrumentalisten und Akkordeonisten der Pariser Band Java, auf eine Spritztour ein. Im Afrobeat, den der Mann von La Réunion sehr bewundert, fanden sie schnell eine Gemeinsamkeit: Fixi hatte mit Tony Allen zusammengearbeitet, dem nigerianischen Paten dieses revolutionären Groove. Außerdem sind beide Akkordeonisten und gaben gemeinsam nur wenige Stunden später auf der kleinen Bühne des Fernsehsenders France Ô vor dem gebannt lauschenden Publikum von Sakifo Improvisationen einiger Maloya-Musetten zum Besten. Zwei Jahre später erschien die gemeinsame CD Maloya Power, auf der Fixi von Olivier Araste komponierte Stücke spielt. Den Maloya bereichern hier Elemente westafrikanischer Musik, Afrobeat, Samba und Dub.