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Das Freiburger Barockorchester bei den Schwetzinger Festspielen

SWR — Sat, 12 May 2012 20:00:00 +0200

Ein reines Mozart-Programm mit dem Freiburger Barockorchester, noch dazu in einem historischen Rokoko-Theater! Da fühlt man sich gleich zurückversetzt ins 18. Jahrhundert. Mit Hammerklavier-Spezialist Kristian Bezuidenhout und unter seiner gemeinsamen Leitung mit Petra Müllejans bringen die Musiker zwei Klavierkonzerte Mozarts aus den 1780er Jahren zu Gehör. Außerdem erklingen die selten zu hörende Ouvertüre zu seinem "Schauspieldirektor" sowie Ausschnitte aus der Ballettmusik zum "Idomeneo".

Klangexperimente gehören zum Alltag des Freiburger Barockorchesters, das sich seit über 20 Jahren selbstbewusst selbstverwaltet und sich als eines der renommiertesten deutschen Alte-Musik-Ensembles profiliert hat. Je nach Projekt wird es entweder vom ersten Pult aus von den künstlerischen Leitern Gottfried von der Goltz und Petra Müllejans geführt oder immer wieder auch von Dirigenten wie Rene Jacobs, Ivor Bolton u.a.
Auch wenn es einst mit der Barockmusik begann, so hat sich heute sein Repertoire bis tief hinein ins 19. und 20. Jahrhundert erweitert. 2005 spielte das Orchester sogar die Uraufführungen von fünf ihm gewidmeten zeitgenössischen Werken. Das FBO, das rund 100 Auftritte pro Jahr in unterschiedlichen Besetzungen vom Kammer- bis
zum Opernorchester bestreitet, gestaltet eigene Konzertreihen in Freiburg, in der Stuttgarter Liederhalle und in der Berliner Philharmonie.

Der aus Südafrika stammende Pianist Kristian Bezuidenhout machte schon früh durch den Gewinn erster Preise bei bekannten Wettbewerben von sich reden und knüpfte so Kontakte zu renommierten Künstlern und führenden Ensembles, sowohl im Bereich der Alten Musik als auch in der Kammermusik und Sinfonik. Er trat bei zahlreichen Festivals und in den internationalen Konzertsälen als Solist und Kammermusiker auf und ist heute Gastdozent an der Schola Cantorum in Basel und an der amerikanischen Eastman School of Music.
Bezuidenhout spielte u.a. Mendelssohns Klavierkonzerte mit dem FBO und Mozarts Violinsonaten mit Petra Müllejans ein. Gleich die erste CD der Sonatenreihe erhielt den begehrten Schallplattenpreis „Diapason Decouverte“.

Mitwirkende:

Freiburger Barockorchester

Kristian Bezuidenhout: Klavier und Leitung

Petra Müllejans: Konzertmeisterin

Im Programm:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791):
Ouvertüre aus der Komödie mit Musik „Der Schauspieldirektor“ KV 486
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 17 G-Dur KV 453

Wolfgang Amadeus Mozart:
Ballettmusik KV 367 aus dem Dramma per musica „Idomeneo“ KV 366
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 22 Es-Dur KV 482

Bildrechte: Freiburger Barockorchester

Jubiläumskonzert: Die 12 Cellisten der Berliner Philharmoniker

Arte — Wed, 9 May 2012 20:00:00 +0200

1972 wurden die „12 Cellisten der Berliner Philharmoniker“ von Musikern des Orchesters gegründet. Auch heute noch, nach 40 Jahren, gelten sie als einzigartiges Ensemble. Nicht nur die außergewöhnliche Besetzung (12 Cellos), sondern auch die Spielkultur der 12 Cellisten lassen viele zeitgenössische Komponisten weltweit für sie komponieren.

Zu ihrem 40.Geburtstag zeigen sich die 12 Cellisten in Feierlaune und geben ein außergewöhnliches Konzert in der Berliner Philharmonie. Neben zeitgenössischer Klassik beinhaltet das Programm viele populäre Stücke, die für die 12 Cellisten arrangiert wurden - von Ravel über Duke Ellington zu Piazzolla und Morricone und dem Evergreen „As Time goes by“. Unterstützt werden die 12 Cellisten von der Sängerin Annette Dasch - und einem nicht minder prominenten Überraschungsgast.

Auf dem Programm stehen:

Julius Klengel: Hymnus
Jean Françaix: Aubade
Astor Piazzolla: Angel Trilogy
Gabriel Fauré: Pavane, Op 50
Vincent Scotto: Sous les ponts de Paris
Michel Legrand: Une Femme est une femme
Hans Hupfeld: As Time goes by
Manuel de Falla: Psyché
Claude Debussy: Romance, Les Cloches
Maurice Ravel: Vocalise-Étude
Ennio Morricone: The Man with the Harmonica
J. Tiziol, D. Ellington: Caravan

Bildrechte: Stephan Roehl

Giora Feidman und das Gershwin Quartet bei den Schwetzinger Festspielen

SWR — Fri, 4 May 2012 20:00:00 +0200

Musikalisches Schubladendenken, hier E-, dort U-Musik, ist dem Gershwin Quartet unter Leitung von Michel Gershwin fremd. Und es spricht Bände, dass die „Gershwins“ unter den klassischen Komponisten solche favorisieren, die ebenso dachten: Immerhin schrieb Mozart mit Begeisterung Kontretanze für Faschingsbälle, während Schubert ganze Serien von Ländlern komponierte. Gleiches lässt sich auch von den Komponisten des 20. Jahrhunderts sagen, deren Quartette die „Gershwins“ im Gepäck haben: von Astor Piazzolla, dem Vertreter des Tango Nuevo, oder von Heitor Villa-Lobos, der so manche seiner Melodien und Rhythmen den Amazonas-Indianern abgelauscht haben will.

So fügt sich die Zusammenarbeit mit Giora Feidman perfekt ins Bild, gelingt es doch auch ihm mit immer wieder erstaunlicher Mühelosigkeit, die musikalischen Sprachen zu wechseln. „Lang lebe Giora, seine Klarinette und seine Musik! Er schlägt Brücken zwischen Generationen, Kulturen und Schichten, und er tut es mit vollendeter Kunst!“, schwärmte kein Geringerer als Leonard Bernstein von dem in New York lebenden Musiker.

Als Sohn jüdischer Einwanderer aus Bessarabien in Argentinien geboren, wächst Feidmann in einer Musikerfamilie auf. „Fast immer“, meint er, „vollzieht sich unsere erste Berührung mit Musik durch eine menschliche Stimme, deren Singen uns beruhigt, uns tröstet, uns fröhlich macht. Für mich waren das die jiddischen Lieder, die meine Mutter für mich sang ...“ Bliebe noch zu ergänzen, dass er 1956 von Buenos Aires ins Land seiner Väter übersiedelte, um Mitglied des jungen Israel Philharmonic Orchestra zu werden; und dass er zu Beginn der 1970er Jahre nach New York kam. Von hier aus startete er seine Weltkarriere als Solist, als einer der bedeutendsten Interpreten von Klezmer-Musik.

Im Programm:

Ángel Villoldo (1868 – 1919):
Motive aus „El Choclo“, bearbeitet für Soloklarinette von Giora Feidman

Raul Jaurena (geb. 1941):
„A Trip to the Americas“, Medley aus südmittel- und nordamerikanischen Songs für Klarinette und Streichquartett

Scott Joplin (1867 – 1917):
„The Entertainer“, bearbeitet für Streichquartett von Franz Beyer

Harry T. Burleigh (1866 – 1949):
“Nobody knows the trouble I’ve seen”, bearbeitet für Bass Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Bobby Timmons (1935 – 1974):
„Moanin‘“ bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Peter Breiner

Héctor Panizza (1875 – 1967):
„Aurora“, Arie aus der Oper „Aurora“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Violeta Parra (1917 – 1967):
„Gracias a la Vida“, Cancion, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Enrique Ugarte (geb. 1957):
“Fiddler on the roof”, Medley aus dem Musical “Fiddler on the Roof” von Jerry Bock für Klarinette und Streichquartett

Peter Breiner (geb. 1957):
„By George…! A pastiche of Gershwin’s themes“ (für Klarinette und Streichquartett)

John Williams (geb. 1932):
„Schindlers Liste”, Musik aus dem Film „Schindlers Liste“, bearbeitet für Streichquartett von Calvin Custer

Alberto Ginastera (1916 – 1983):
„Danza del la Moza Donoza“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 - 1991):
„Kicho”, bearbeitet für Bass Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Leonard Bernstein (1918 – 1990):
„Maria”, Song aus dem Musical „West Side Story”, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Astor Piazzolla (1921 – 1992):
„Libertango“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Raul Jaurena
„Los Pajaros Perdidos”, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Raul Jaurena

Traditional
„Die Goldene Chassene“, bearbeitet für Klarinette und Streichquartett von Steve Murray

Bildrechte: Sascha Neroslavsky

Das Mahler Chamber Orchestra unter der Leitung von Lawrence Renes

WDR 1 — Mon, 30 Apr 2012 20:00:00 +0200

Schon im Februar 2010, während seiner Zeit als Residenzorchester NRW hat das Mahler Chamber Orchestra in Köln Leonard Bernsteins Serenade nach Platons „Symposion“ aufführen wollen. Wegen einer Erkrankung des Dirigenten Seiji Ozawa musste der Spielplan damals kurzfristig geändert werden. Wenn Bernstein nun wieder ins Programm rückt, dann nicht (nur), um das Versäumte nachzuholen. Der Kontext ist ein völlig anderer und betont die exemplarische Bedeutung des Stücks für die Musikgeschichte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Unterstützt wird das Mahler Chamber Orchestra bei seiner Interpretation von der preisgekrönten Violinistin Patricia Kopatchinskaja.

Sowohl in der Wahl des Sujets als auch in der kompositorischen Gestaltung gibt Bernstein ein signifikantes Beispiel für eine zu Eigenständigkeit gelangte US-amerikanische Musikkultur, die zwischen europäischer Antike und Avantgarde selbstbewusst ihren Stil und ihre Themen findet, ohne sich klassischen Schemata zu unterwerfen.

Obwohl stilistische Unterschiede bestanden, traf sich Bernstein hier mit zentralen Ideen einer jüngeren, amerikanischen Komponistengeneration um Steve Reich, John Adams und Philip Glass. Die Protagonisten der Minimal Music verfeinerten das Wechselspiel von Wiederholung und Veränderung, um der Vormachtsstellung traditioneller Formbezüge zu entkommen.

Im Programm:

Philip Glass
Company (1983) für Streichorchester

Leonard Bernstein
Serenade (nach Platons "Symposion") (1954) für Solovioline, Streichorchester, Harfe und Schlagzeug

Steve Reich
Drumming, Part 1 für vier Paar gestimmte Bongos (1970-1971)

John Adams
Shaker Loops (1983) Fassung für Orchester

Bildrechte: Sonja Werner

Acht Brücken Festival 2012: Eröffnungskonzert mit dem Schlagzeuger Martin Grubinger

WDR 1 — Sun, 29 Apr 2012 20:00:00 +0200

Was ist eigentlich das Besondere an US-amerikanischer Musik? Auf diese scheinbar einfache Frage gibt es so viele Antworten ... Einige Konstanten stellt aber schon das Eröffnungskonzert des Acht Brücken Festivals mit dem jungen amerikanischen Dirigenten Jonathan Stockhammer in den Blickpunkt: Amerikanische Komponisten können aus einem riesigen kulturellen Schmelztiegel schöpfen. Und sie verbinden oft völlig unbefangen Unterhaltung mit Ernst, Publikumsnähe mit Experimentierlust. Der Eingriff in klassische Partituren und die Integration verschiedenster musikalischer Stilrichtungen prägen diese Gegensätzlichkeiten.

Leopold Stokowski war einer der Künstler, der diese Kontraste geradezu verkörperte. Das WDR Sinfonieorchester Köln spielt seinen größten Erfolg: die spätromantisch-schwelgerische Bearbeitung von Bachs Orgel-Toccata und –Fuge d-Moll.

Ebenfalls als widersprüchliche Musikerpersönlichkeit gilt Charles Ives: einerseits höchst bodenständig, in amerikanischen Märschen und volkstümlichen Liedern wurzelnd. An-dererseits in der Verarbeitung dieses Materials seiner Zeit weit voraus.

Eine passende Beschreibung amerikanischer Musik liefert Avner Dorman – selbst unterschiedlichster kultureller Einflüsse ausgesetzt - und ordnet dieser eine naturge-gebene Universalität zu. Ein Musikstil, der alles in sich aufnimmt und weiterverarbeitet.

Im Programm:

J.S. Bach/L. Stokowski
Toccata und Fuge d-Moll für Orgel BWV 565
Bearbeitung für Orchester (1952)

John Cage
Souvenir (1953) für Orgel

Samuel Barber
Toccata Festiva (1960) für Orgel und Orchester

Charles Ives
Variations on „America“ (1891) Fassung für Orchester

Avner Dorman
Frozen in Time (2007) für Percussion und Orchester

Leonard Bernstein
Divertimento für Orchester (1980)

Bildrechte: Matthias Muff

Nora Gubish und das Ensemble Intercontemporain in der Pariser Cité de la Musique

La Cité de la musique — Wed, 25 Apr 2012 20:00:00 +0200

Palimpseste ziehen sich wie ein roter Faden durch dieses von Alain Altinoglu dirigierte Konzert, dem die großartige Nora Gubish zusätzlichen Glanz verleiht.

Als Palimpsest werden übereinanderliegende Schriftlagen auf Pergament bezeichnet. Im Mittelalter, als frisches Pergament rar war, war das Wiederverwerten bereits beschriebener Blätter, von denen die Tinte abgekratzt wurde war, weit verbreitet und führte zu beeindruckenden Effekten. Oft waren noch Reste filigraner früherer Beschriftung zu sehen. Dieser Gedanke an verschiedene Texte, die gewissermaßen gleichzeitig sprechen, in Dialog treten, sich Antworten geben oder vollkommen unterschiedliche Geschichten erzählen, und zwar in derselben Zeit und demselben Raum, steht im Zentrum von Marc-André Dalvavies Sextuor: Die Partitur wurde über die eines Madrigals aus dem 16. Jahrhundert geschrieben, auf Gesualdos „Beltà, poiche t’assenti“.

Die von Maurice Ravel vertonten Poèmes de Stéphane Mallarmé nehmen Bezug auf Schönbergs Pierrot Lunaire (seinerseits Vertonung von 21 Gedichten Albert Girauds), so wie Igor Strawinski sie ihm beschrieben hatte. Strawinski selbst ist in diesem Konzert mit seinen Acht Miniaturen vertreten, einer Orchestrierung der Fünf Finger, eines russischen Zyklus für Klavierübungen.

Programm:

Igor Stravinski – Acht Miniaturen, Concertino für 12 Instrumente

Maurice Ravel - Trois Poèmes de Stéphane Mallarmé

Marc-André Dalbavie - Palimpseste

Luciano Berio - Folk Songs

Foto © Phillipe Grunchec

Albrecht Mayer bei ARTE Lounge

Arte Lounge — Mon, 23 Apr 2012 19:00:00 +0200

Wenn man an die Oboe denkt, fällt fast immer sein Name. Zuhörer und Kritiker geraten ins Schwärmen, wenn sie von ihm erzählen. Dem Solo-Oboisten Albrecht Mayer ist es gelungen, zum größten Star der Berliner Philharmoniker aufzusteigen. Der aktuelle Orchesterchef Simon Rattle preist ihn als "einen der besten Oboisten aller Zeiten". Dabei kam er eher aus medizinischen Gründen zu seinem Instrument.

Da Albrecht als Kind stottert, will sein Vater, ein Kinderarzt, ihn ein Holzblasinstrument lernen lassen. Der Musiklehrer schlägt die Oboe vor. Es dauert kein halbes Jahr, da ist Albrecht Mayer kaum noch von seinem Instrument zu trennen. Seine berufliche Laufbahn führt Mayer von den Bamberger Symphonikern zu den Berliner Philharmonikern. 2004, 2008 und 2010 wurde Albrecht Mayer mit dem begehrten Echo Klassik ausgezeichnet.

Im Dezember 2006 erhielt er den E. T. A.-Hoffmann-Kulturpreis seiner Heimatstadt Bamberg. Mayer fasziniert besonders die Idee, Werken, die für Gesang oder auch andere Instrumente geschrieben wurden, einmal die Stimme der Oboe zu verleihen.

Ferhan und Ferzan Önder bei ARTE Lounge

Arte Lounge — Mon, 23 Apr 2012 19:00:00 +0200

Die beiden türkischen Zwillingsschwestern Ferhan und Ferzan Önder haben sich längst als Klavierduo der jüngeren Generation auf den großen Konzertpodien der Welt etabliert.

Für ihre Debüt-CD von 2001, "Vivaldi Reflections", wurden Ferhan und Ferzan Önder mit einem Echo Klassik ausgezeichnet. 2003 standen die Zwillinge beim "Voestival" in Linz erstmals mit Sir Peter Ustinov auf der Bühne - ähnlich geartete musikalisch-literarische Projekte führten zu Begegnungen mit Cornelia Froboess, Armin Mueller-Stahl, Friedrich von Thun, Günther Jauch und Roger Willemsen.

Ferhan und Ferzan Önder gastieren regelmäßig mit renommierten internationalen Orchestern wie zum Beispiel der Staatskapelle Dresden, dem Mozarteum Orchester, dem Brucknerorchester Linz, den Dresdner Philharmonikern, der Philharmonia Wien oder dem Orchestra Sinfonica di Milano.

Gustavo Dudamel und die Philharmonie von Radio France spielen die Sinfonien 2 und 4 von Brahms

Orchestre Philharmonique de Radio France — Fri, 20 Apr 2012 20:00:00 +0200

Gustavo Dudamels Reise durch Brahms Sinfonien geht weiter. Nach Nummer Eins und Drei interpretiert die Philharmonie von Radio France nun unter der Leitung des Venezolaners die Zweite und Vierte Sinfonie von Brahms.

Die Zweite Sinfonie schrieb Brahms in nur einem Sommer, während die Komposition der ersten 15 Jahre gedauert hatte. Diese Hast ist im Werk greifbar, was ihm jedoch nur zum Besten gereicht. Die sehr klassisch strukturiere Sinfonie strahlt einen heiteren Klang aus, der wesentlich leichter wirkt als der der düstere, tiefe und aufdringliche ihrer Vorgängerin.

Die Vierte Sinfonie stieß aufgrund ihrer klassischen Machart auf geteiltes Echo. Doch hinter der scheinbaren Einfachheit verbergen sich im letzten Satz, einer Passacaglia, an die dreißig Variationen. Diese strukturelle Komplexität ist eine passende Herausforderung für das Präzisionsgenie Gustavo Dudamel.

Der Auftritt von Gustavo Dudamel erfolgte mit freundlicher Genehmigung der Deutsche Grammophon GmbH

Foto © Nedernland UITBuro

Odile Perceau und das Quatuor de Bordeaux in der Verbotenen Stadt von Peking

Arte — Fri, 20 Apr 2012 18:00:00 +0200

Das 2002 von der Komponistin und Dirigentin Odile Perceau gegründete Khloros Concert ist ein Orchester mit französischen und ausländischen Mitgliedern, das in wechselnder Zusammensetzung auftritt. Die Formation richtet sich nach den jeweiligen Produktionen und Konzerten des Dirigenten und der Solisten.

Die gemeinsame Leidenschaft für Kammermusik vereint vier Solisten unterschiedlichster Orientierung im Bordeaux-Quartett.

In der Verbotenen Stadt von Peking spielt das Bordeaux-Quartett im Rahmen des „Festival Croisement“ von Peking und Wuhan sowie des Hongkonger „French May“ ein den Gattinnen Sergiu Celibidaches und Wilhelm Furtwänglers gewidmetes Werk der Komponistin.

Salons de Musique : Nemanja Radulovic, Susan Manoff und Les Trilles du Diable

Arte — Thu, 19 Apr 2012 17:00:00 +0200

Innerhalb weniger Jahre war der erst 27-jährige Virtuose Nemanja Radulovi? mit seiner Geige auf allen möglichen Bühnen unterwegs, von der improvisierten bis hin zur namhaftesten. Trotz einer rekordverdächtigen Anzahl an Auftritten und so vieler Flugkilometer, dass er mit den gewonnenen Miles leicht einmal zum Pluto und zurück fliegen könnte, begeistert er sich immer wieder für die Entdeckung neuen Terrains und die Begegnung mit unbekanntem Publikum. Kurz, wer wäre besser geeignet, das Programm für einen Salon de Musique zusammenzustellen?

Radulovi? beschloss, die Pianistin Susan Manoff sowie die wichtigsten Mitglieder der Trilles du Diable einzuladen. Zwar arbeitet er mit all diesen Musikern regelmäßig zusammen, jedoch mit unterschiedlichen Repertoires und niemals mit allen gleichzeitig.

Nemanja mag Mischungen, und in diesem originellen Programm kombiniert er Werke von Mozart, Bach, Vivaldi und Tschaikowski. Gemeinsam mit Susan Manoff, die für ihn eine Art Alter Ego und seine regelmäßige Spielpartnerin ist, verbindet er Bachs Tiefgründigkeit mit Faurés Zärtlichkeit und Mozarts Menschlichkeit.

Die Zusammenarbeit mit den Trilles du Diable erweitert Nemanjas Bandbreite. Neben Tschaikowski und Vivaldi, die ganz selbstverständlich im Repertoire sind, geben die Musiker mit „Spring in Japan“ ein bemerkenswertes zeitgenössisches Werk zum Besten. Außerdem stehen traditionelle serbische Tänze und französische Chansons auf dem Programm.

Unsere Musiksalons sind weder Liederabende noch Konzerte, sondern zwanglose musikalische Begegnungen mit herausragenden Künstlern. Diese Treffen finden an ausgefallenen, oft persönlichen Orten statt und sind Momente des Austauschs zwischen den Musikern.

Nixon In China von John Adams im Pariser Théâtre du Châtelet

Arte — Wed, 18 Apr 2012 20:00:00 +0200

„Epos, Satire und Parodie politischer Haltungen, aber auch ernsthafte Untersuchung historischer und philosophischer Probleme bis hin zu zwischengeschlechtlichen Beziehungen in Einem.“ So beschreib John Adams selbst „Nixon in China“, seine erste Oper und gleichzeitig sein bekanntestes Werk. Fünf Jahre hat er dafür gebraucht.

Damit tauchte John Adams in die ihm bis dato unbekannte Welt der Oper ein. Doch indem er, noch vor Ende des Kalten Krieges, das erste Treffen zwischen Nixon und Mao von 1972 zum Thema wählte, holte der die Gattung in die Gegenwart und verlieh dem Zeitgenössischen eine metakünstlerische Dimension, einen globalen Anspruch.

Das Libretto ließ Adams von der Dichterin Alice Goodman schreiben, und als Inspirationsquelle verwendete er chinesische Musik, besonders in der Passage, in der die Nixons dem Ballett „Das rote Frauenbataillon“, einem „revolutionären Paradestück“, beiwohnen – dessen Autor niemand anders als „Madame Mao“ war.

Photo Dersa63

Leoš Janáceks Glagolitische Messe für Soli, Chor, Orgel und Orchester unter der Leitung von Mariss Jansons

Lucerne Festival — Mon, 16 Apr 2012 19:00:00 +0200

Unter den Messe-Vertonungen nimmt die „Glagolitische Messe“ von Leoš Janácek (1854-1928) eine Sonderstellung ein. Die Messe für 4 Solo-Stimmen, Chor, Orgel und Orchester, die der tschechische Komponist 2 Jahre vor seinem Tod komponierte, ist ein sprachlich und musikalisch ungewöhnliches Werk. Als Textgrundlage wählte Janácek die altslawische Übersetzung des „Ordinarium Missae“, die ursprünglich in der glagolitischen Schrift aufgezeichnet war, einer Schrift, die im 9. Jahrhundert von den slawischen Aposteln Kyrrillos und Methodios zur Verbreitung von kirchlichen Texten entwickelt wurde. Janá?ek komponierte dazu eine sehr diesseitig anmutende, festlich beschwingte Musik, die nicht zum liturgischen Gebrauch bestimmt war, sondern der Ausdruck eines freien, undogmatischen Gottesglauben ist. Die Gliederung der achtteiligen Messevertonung folgt dem Gang der Messehandlung, wird aber von einem einleitenden und ausklingenden Instrumentalstück umschlossen. Wie seine ebenfalls 1926 entstandene „Sinfonietta“ eröffnet Janácek auch die „Glagolitische Messe“ mit Fanfarenklängen. Beendet wird das Werk mit einer instrumentalen „Intrada“ (!), die aus dem festlichen Messe-Schluss zugleich ein jubelndes „Hinaus-in-die-Welt“, ein „Hinein-in-das-Fest-des-Lebens“ macht, wie es der zeitgenössische Komponist Dieter Schnebel empfindet. Ebenso überraschend ist das große ekstatische Orgelsolo nach dem „Agnus Dei“, das dem inständigen Flehen um Erbarmen einen fast aggressiven Charakter verleiht.

Mariss Jansons präsentiert dieses emphatische Meisterwerk von Leoš Janácek mit dem Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks im Rahmen des Lucerne Festivals zu Ostern 2012.

Das Orchester des Mariinski-Theaters in St. Petersburg spielt Prokofjew

Arte — Sun, 15 Apr 2012 17:00:00 +0200

Während Prokofjews Erste Sinfonie (die „Klassische“) ungebrochen Erfolgsgeschichte schreibt, gilt sein Opus 100, die Fünfte Sinfonie, als sein fesselndstes, vollkommenstes Werk. Die Fünfte Sinfonie wurde schon sehr früh auch außerhalb Russlands aufgeführt und von so unterschiedlichen Dirigenten wie Szell, Ormandy, Karajan, Celibidache, Bernstein, Dorati, Tennstedt, Maazel und Ozawa eingespielt.

Ihr epischer Atem und ihr melodischer Reichtum erwachsen aus den Umständen ihrer Entstehung: Die ersten Skizzen des fast vierzehn Jahre nach der Vierten Sinfonie geschaffenen Werkes stammen aus dem Sommer 1944. Noch stärker als die „Kriegssonaten“ (Nr. 7, 8 und 9, die in Wirklichkeit schon vor 1939 entstanden) hängt es mit dem Zweiten Weltkrieg zusammen. Prokofjew beschreibt die Sinfonie als eine „Hymne an die Freiheit und das Glück des Menschen, an seine Macht und seinen edlen und reinen Geist.“

Heute Abend ermöglicht die Präsentation beider Werke zusammen den direkten Vergleich. Und als Bonus gibt es das 1. Konzert für Klavier, ein seinerzeit sehr unkonventionelles Werk, auf das die Kritik zwiespältig reagierte; Prokofjews selbst jedoch betrachtete es als „seine erste mehr oder weniger reife Partitur“.

Prokofjew ist der Lieblingskomponist von Waleri Gergijew, der viel Mühe darauf verwendet, das Werk des Meisters lebendig zu halten. Unter anderem hat er drei Wochen lang in verschiedenen russischen Städten die sieben Sinfonien und fünf Klavierkonzerte aufgeführt.

Zur Eröffnung der Reihe dirigiert Waleri Gergijew „sein“ Orchester, das des Petersburger Mariinski-Theaters. In fast einem Vierteljahrhundert hat er aus diesem Ensemble eines der begehrtesten Orchester der Welt gemacht.

Gustavo Dudamel und die Philharmonie von Radio France spielen die Sinfonien 1 und 3 von Brahms

Orchestre Philharmonique de Radio France — Fri, 13 Apr 2012 20:00:00 +0200

Nicht zum ersten Mal leitet der junge (kaum 31-jährige) venezolanische Dirigent das Philharmonieorchester von Radio France. Schon 2009 stand er für ein außergewöhnliches Gemeinschaftskonzert mit „seinem“ Simón Bolívar Youth Orchestra of Venezuela und den Musikern von Radio France am Pult.

Dudamel und das Orchester treffen diesmal für die Aufführung des sinfonischen Gesamtwerks von Johannes Brahms an zwei aufeinanderfolgenden Abenden aufeinander.

Es handelt sich um ein anspruchsvolles Projekt, Brahms Sinfonien galten unter seinen Zeitgenossen teils als unverständlich. Selbst wenn die Aneignung der Sinfonien gelang, so widersetzen sie sich doch weiterhin aufschneiderischen, demonstrativen Interpretationen. Und das trifft sich gut, denn auch Gustavo Dudamel widerstrebt es, eine Show abzuziehen, auch wenn er lebhafte Tempi mag, die Partitur geradezu „lebt“ und nicht nur mit dem Taktstock, sondern dem ganzen Körper dirigiert - doch immer im Dienste der Umsetzung des Werkes. Seine Technik ist unglaublich präzise, er macht keine überflüssige Bewegung, und bei ihm alles hat seinen Sinn.

„Matthäus-Passion“ von J. S. Bach mit dem Thomanerchor und dem Gewandhausorchester Leipzig

Thomanerchor — Fri, 6 Apr 2012 19:00:00 +0200

Die Aufführung der Matthäus Passion aus der Thomaskirche Leipzig ist ein Höhepunkt der Jubiläumssaison „800 Jahre Thomanerchor“. Mit diesem Werk waren Gewandhausorchester und Thomaner in den zurückliegenden Monaten auch in Japan, Korea und England zu Gast. Als Solisten sind Christina Landshamer (Sopran), Stefan Kahle (Altus), Wolfram Lattke (Tenor), Martin Lattke (Tenor), Klaus Mertens (Bass) und Gotthold Schwarz (Bass) zu hören.

Die Uraufführung der Matthäus-Passion, am 11. April 1727 in der Leipziger Thomaskirche stand für Johann Sebastian Bach unter keinem guten Stern. Seit dem er die Stelle des Thomaskantors angetreten hatte sind ihm zwei Kinder gestorben, außerdem belastet das Familienleben der geistig behinderte Sohn Gottfried Heinrich.

Dagegen bekommt Bach endlich die musikalische Annerkennung, die ihm so wichtig ist. Die Studenten des angesehenen Collegium Musicum hatten den Thomaskantor gebeten, ebenfalls ihre Leitung zu übernehmen. Es sind gute und engagierte Musiker, mit denen er zeigen kann, was er sich sehnlichste wünscht: Professionalität! Die Konzerte im Zimmermannschen Kaffeehaus werden für alle Beteiligten zu einem Riesenerfolg. Diese Zusammenarbeit ermutigte Johann Sebastian Bach wohl auch seine größte Musik zu schreiben, die Matthäuspassion.

Ein solches Werk hatte es in der gesamten Musikgeschichte noch nicht gegeben: zwei Chöre, zwei Orchester, zwei Orgeln und eine Länge von drei Stunden. Ob die Aufführung ein Erfolg war, ist nicht überliefert. Zu Bachs Lebzeiten wurde sie wohl einige Male aufgeführt, jedoch ist keine einzige Reaktion vonseiten der Kirchengemeinde, der Stadt Leipzig oder Musikliebhabern überliefert. Weder in der Lokalpresse noch bei Bach nahestehenden Personen findet sich ein Hinweis auf eine Aufführung oder die Bedeutung des Werkes. Anscheinend wurde das Werk von den Zeitgenossen weitgehend ignoriert.

Sicher ist nur, dass seine Arbeitgeber, die Leipziger Ratsherren empört waren. Bach hatte wieder gegen seinen Vertrag verstoßen. In diesem hatte er sich verpflichten müssen: „…dass die Musik nicht zu lange währen und nicht zu opernhaftig herauskommen“ darf. Aktenkundig ist jedenfalls eine Gehaltskürzung für den unbelehrbaren Kantor.

Bachs überragende schöpferische Leistung, seine Kantaten, das Magnificat, die Johannespassion und schließlich auch die Matthäuspassion – alles kein Thema für den Rat. Die zehnseitige Eingabe für eine „wohlbestallte Kirchenmusik“, die er darauf an seine Dienstherren schickte, wurde anscheinend nie beantwortet. Der Mensch und Musiker Johann Sebastian Bach ist, an einem weiteren Tiefpunkt seines Lebens angekommen. Es wird nicht der letzte sein, aber bis zu seinem Tod 1750 kann er auch erleben wie vier seiner zwanzig Kinder, in seine Fußstapfen treten und zu bedeutenden Musiker ihrer Zeit werden.

Bildrechte: Gert Mothes

Andreas Scholl bei ARTE Lounge

Arte Lounge — Mon, 26 Mar 2012 19:00:00 +0200

"Die Times" lobt ihn als "kultivierteste Countertenor-Stimme der Welt". Der deutsche Sänger Andreas Scholl wurde am 10. November 1967 in Hessen geboren. Beide Eltern waren Sänger und so begann er schon als Siebenjähriger mit seiner musikalischen Ausbildung bei den Kiedricher Chorbuben. Seine Kopfstimme konnte er über den Stimmbruch hinaus erhalten und entschloss sich so zu einer Ausbildung an der renommierten Schweizer Schola Cantorum Basiliensis aufzunehmen. Dort studierte Andreas Scholl bei Richard Levitt und René Jacobs. Mittlerweile ist er selbst als Dozent in Basel tätig. Der Countertenor gewann bereits 1996 den Baroque Vocal Prize bei den Grammophone Awards. Seither hat er viele weitere Ehrungen erhalten, so unter anderem den Prix de l'Union de la Presse Musicale Belge oder den Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik 1/2004.

Als Opernsänger wirkte Andreas Scholl in verschiedenen Opern Händels mit. Sein Operndebüt erfolgte 1998 in "Rodelinda" als Bertarido unter der Leitung von William Christie. Andreas Scholl wagt aber auch den Blick über den Tellerrand und verfolgt zum Beispiel im Bereich der Popmusik diverse Projekte, unter anderem zusammen mit der Band "Orlando und die Unerlösten".

Bildrechte: ZDF / Antje Dittmann

Paul Meyer bei ARTE Lounge

Arte Lounge — Mon, 26 Mar 2012 19:00:00 +0200

Der 1965 in Mulhouse geborene Paul Meyer gilt als einer der außergewöhnlichsten Klarinettisten weltweit. Er debütierte bereits mit 13 Jahren als Solist des Orchestre Symphonique du Rhin und studierte daraufhin am Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris und an der Musik-Akademie der Stadt Basel.

Der mehrfache Preisträger bei nationalen und internationalen Wettbewerben tritt mit den großen Orchestern in Europa, den USA und in Fernost auf, so etwa mit den Berliner und Dresdner Philharmonikern, dem Orchestre National de France, dem BBC oder Tokyo Philharmonic Orchestra. Seit vielen Jahren beeindruckt der versierte Klarinettist sein Publikum. Dabei stellt er gerne auf unterhaltsame Weise die spieltechnischen Möglichkeiten seines Instruments vor. Außerdem zeichnet sich Paul Meyer durch ein besonders umfassendes Konzertrepertoire aus, das viele der wichtigen zeitgenössischen Werke für Klarinette enthält.

Einen großen Teil seiner Konzerttätigkeit machen kammermusikalische Projekte aus. In den letzten Jahren hat sich der Klarinettist auch verstärkt einen Namen als Dirigent gemacht.

Bildrechte: ZDF / Antje Dittmann

Die Krönung der Poppea in der Oper von Lille

Arte — Mon, 26 Mar 2012 17:00:00 +0200

Marc Minkowski und die Musiker des Louvre-Grenoble spielen die 5. Symphonie von Schubert

Arte — Tue, 20 Mar 2012 17:00:00 +0100

Der Musikkritiker Jacques Drillon beschreibt in seinem Buch De la musique (Verlag Gallimard) die ersten Takte von Franz Schuberts Fünfter Sinfonie als „den schönsten Beginn in der Geschichte der Musik“. Drei Bläserakkorde und eine fallende Tonleiter der Geigen gehen dem Thema voran: Eine einfachere und poetischere melodische Formel gibt es nicht… Die 1816 abgeschlossene Sinfonie scheint eine Hommage an Mozarts Werk zu sein. Subtil lehnt sich Schubert dem klassischen Stil an: strenger Aufbau, dezente Orchestrierung (ohne Trompeten oder Pauken). Der erste Satz, das Allegro, verbreitet eine angenehm unbeschwerte Stimmung, doch die Heiterkeit des zentralen Andante con moto hat durchaus melancholische Züge.

Schubert benutzt das Andante con moto (gehend mit Bewegung) auffallend häufig, insbesondere im berühmten langsamen Satz des Klaviertrios Nr. 2 in Es-Dur op. 100, den Stanley Kubrick für Barry Lyndon verwendete. Diese Tempobezeichnung verhindert vor allem schwülstige Abschweifungen. Das Menuett (Allegro molto) des dritten Satzes wird aufgrund derselben düsteren Tonart und Ausdruckskraft häufig mit dem dritten Satz von Mozarts Vierzigster Sinfonie verglichen (in dem ebenfalls weder Trompeten noch Pauken vorkommen. Das Finale (Allegro vivace) schäumt vor Freude förmlich über und verlangt vom Orchester permanente Virtuosität.